Beirut es un grupo musical estadounidense. Comenzó como un proyecto musical en solitario del músico de 23 años oriundo de Santa Fe, Zach Condon, aunque posteriormente se convirtió en una banda liderada por este mismo. Su música combina elementos de Europa Oriental, música folk y mexicana con música pop Occidental y es una banda en la que toca todos los instrumentos en estudio y es acompañado por músicos en vivo, este norteamericano maneja formidablemente el estilo centroeuropeo, con trompetas, acordeones, etc...
Su primer álbum oficial bajo el nombre de Beirut fue editado gracias a la colaboración de Jeremy Barnes (Neutral Milk Hotel, A Hawk and a Hacksaw) y Heather Trost (A Hawk and a Hacksaw), en el cual combina elementos y sonidos de la música folk y, especialmente, de la proveniente de la Europa del Este y México. El álbum titulado Gulag Orkestar fue lanzado en mayo de 2006 cuando Zach Condon decide lanzar su proyecto Beirut. Gulag Orkestar denota una fuerte influencia de la música balcánica comparable con la orquesta de Emir Kusturica o de Boban Markovi. Un álbum, en general enérgico y lleno de altos que asegura tener a nuestros oídos en un grado de excitación elevadamente preocupante. Prueba de esto es “Mount Wroclai”, uno de sus picos más notables.
En su segundo disco se pueden connotar ciertos resabios de madurez y la interpretación es mucho más prolija. Tristes pero con beats más armónicos. Sin embargo, siempre conservan ese desorden que le da orden a su música, única y original dentro de su estilo. El single del Flying Club…, titulado “Nantes” muestra aquella mezcla de adjetivos de una manera magistral.
El grupo Beirut es la demostración de que un estadounidense se puede acercar al folklore europeo, apropiarse de las músicas pobres y darles sentido pop. El chiste de esta banda, que sigue la misma línea de Arcade Fire solo que acá la musica y la letra la hace Zach Condon, hay desde guitarra, violines, acordeón, ukuleles, mandolinas, trompetas, trombones, etc..
Hablar de Beirut, es hablar de elegancia y perfección, de extravagancia balcánica y coléricas tonadas mexicanas, de lo clásico y lo postmoderno, del trance musical y de la perpetuidad instrumental. Menos literal y más conciso. Zach Condon onoció las bondades del arte europeo a temprana edad, en donde, para evitar ensuciarse de la basura norteamericana, se enriqueció con toda la música y la creatividad que se cosecha abundantemente en tierras del viejo mundo, específicamente en Bélgica y Francia. La carrera de Beirut consta de 4 EP’s (Lon Gisland, Pompeii, Elephant Gun y March of the Zapotec/Holland) y 2 LP’s: Gulag Orkestar (2006) y The Flying Club Cup (2007).
La propuesta entregada por Condon se materializa en sus numerosas creaciones que se alejan del indie cotidiano, esa base que se nos está haciendo tan habitual en bandas como Artic Monkeys, The Kooks y Whitest Boy Alive con guitarras limpias, baterías suaves pero duras y bajos llenos de progresiones armónicas, para acercarse más a la inexactitud y la sorpresa rítmica. Esto último, gracias a la variabilidad de instrumentos utilizados en la orquesta portátil que dirige con trompetas, bombos, acordeones, chelos, violines y otros lutheres propios de la cultura de los Países Bajos en Europa del Este.
La prestigiosa revista musical NME ha realizado un ránking de los cien mejores álbumes de la última década. El ganador es nada menos que el disco con el que debutaron un grupo de jóvenes de Nueva York, The Strokes, Is This It, por encima de leyendas de la música como Johnny Cash. Los ganadores de ese ránking de NME son los Strokes, con el disco que les lanzó a la fama en 2001, Is This It. Con temas como Last Nite o Someday, el álbum catapultó a la banda neoyorquina hasta lo más alto, de donde se cayeron en 2006, tras dos discos más, por desavenencias internas en la banda de rock.
Julian Casablancas lider de la banda Strokes, ha dicho que está “entusiasmado” de que en el 2001 su debut con la banda y el álbum ‘It This It’ fueran ganadores del disco de la encuesta de la década de NME. Las selecciones fueron elegidos por el personal de NME pasado y presente, además de multitud de grupos y expertos de la industria que incluye New Order, Ian Brown, Arctic Monkeys, Yeah Yeah Yeahs, Dave Grohl, Alan McGee, Michael Eavis y mucho más.
Es un listado armado por una de las revistas más tradicionales e influyentes de la prensa musical inglesa, pero los ganadores fueron una banda neoyorquina. Así se puede resumir el ránking quereveló la publicación New Musical Express (NME), que eligió a “Is this it” (2001), de The Strokes, como el álbum más importante de la década. Las votaciones fueron recogidas desde un panel de importantes músicos, productores, ejecutivos discográficos y periodistas especializados en el área. Además, el triunfo del conjunto estadounidense guarda todo un mérito, ya que venció a nombres de alta popularidad en el último decenio, como Radiohead, Arcade Fire y Arctic Monkeys.
En la segunda posición, otro disco debut, Up the bracket (2002) de The Libertines, la banda liderada por Pete Doherty. Curiosamente, otra banda si no extinta también en 'standby' desde 2004, tras dos discos -el mencionado y The Libertines- por los problemas internos que originó principalmente Doherty y su adicción a las drogas.
En el número tres, los escoceses de Primal Scream y su disco XTRMNTR (2000), el séptimo de una carrera que comenzó a mediados de los 80 y que ha dado otros cuatro álbumes desde entonces. Le siguen casi unos novatos, los Arctic Monkeys y su disco Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006) el debut de esta banda británica.
Otra 'opera prima', esta vez de los neoyorquinos Yeah Yeah Yeahs, Fever to Tell (2003) ocupa la quinta posición. Pj Harvey y su Stories from the City, Stories from the Sea (2000) Arcade Fire y Funeral (2004) Interpol y Turn On The Bright Lights (2002), The Streets y Original Pirate Material (2002) y Radiohead con su aclamado In Rainbows (2007) cierran el 'top ten'.
Top 50 Albums del la decada segúa la revista Británica NME:
1. The Strokes – 'Is This It' 2. The Libertines – 'Up The Bracket' 3. Primal Scream – 'XTRMNTR' 4. Arctic Monkeys – 'Whatever People Say I Am, That's What I'm Not' 5. Yeah Yeah Yeahs – 'Fever To Tell' 6. PJ Harvey – 'Stories From the City, Stories From the Sea' 7. Arcade Fire – 'Funeral' 8. Interpol – 'Turn On The Bright Lights' 9. The Streets – 'Original Pirate Material' 10. Radiohead – 'In Rainbows' 11. At The Drive In – 'Relationship Of Command' 12. LCD Soundsystem – 'Sound Of Silver' 13. The Shins – 'Wincing The Night Away' 14. Radiohead – 'Kid A' 15. Queens Of The Stone Age – 'Songs For The Deaf' 16. The Streets – 'A Grand Don't Come For Free' 17. Sufjan Stevens – 'Illinois' 18. The White Stripes – 'Elephant' 19. The White Stripes – 'White Blood Cells' 20. Blur – 'Think Tank' 21. The Coral – 'The Coral' 22. Jay-Z – 'The Blueprint' 23. Klaxons – 'Myths Of The Near Future' 24. The Libertines – 'The Libertines' 25. The Rapture – 'Echoes' 26. Dizzee Rascal – 'Boy in Da Corner' 27. Amy Winehouse – 'Back To Black' 28. Johnny Cash – 'The Man Comes Around' 29. Super Furry Animals – 'Rings Around The World' 30. Elbow – 'Asleep In The Back' 31. Bright Eyes – 'I'm Wide Awake, It's Morning' 32. Yeah Yeah Yeahs – 'Show Your Bones' 33. Arcade Fire – 'Neon Bible' 34. Grandaddy – 'The Sophtware Slump' 35. Babyshambles – 'Down In Albion' 36. Spirtualized – 'Let it Come Down' 37. The Knife – 'Silent Shout' 38. Bloc Party – 'Silent Alarm' 39. Crystal Castles – 'Crystal Castles' 40. Ryan Adams – 'Gold' 41. Wild Beasts – 'Two Dancers' 42. Vampire Weekend – 'Vampire Weekend' 43. Wilco – 'Yankee Hotel Foxtrot' 44. Outkast – 'Speakerboxxx/The Love Below' 45. Avalanches – 'Since I Left You' 46. The Delgados – 'The Great Eastern' 47. Brendan Benson – 'Lapalco' 48. The Walkmen – 'Bows and Arrows' 49. Muse – 'Absolution' 50. MIA – 'Arular'
Desencadenan a Alicia para que vuelva a los escenarios...
Alice in Chains es una banda de grunge estadounidense, fundada en 1987 en Seattle. Con un nombre que ya en sí mismo denota bastante pesimismo y con un sonido más pesado y orientado al heavy metal que los grupos coetáneos de grunge, aunque dentro de este movimiento, Alice in Chains logró emerger de la escena de Seattle hasta convertirse en una de las bandas más importantes del llamado rock alternativo, llegando a vender en los Estados Unidos unos 14 millones de discos.
Luego de la muerte de su vocalista Layne Staley en Abril del 2002, Alice in Chains reaparece en el año 2005 para ofrecer un concierto a beneficio de las víctimas del tsunami en Asia, para dicha ocación colaboran con el grupo Wes Scantlin de Puddle of Mudd, Maynard James Keenan de Tool y Ann Wilson de Heart, esta última es la misma cantante que colaboró en el disco Sap (1992) en los temas Brother, Am I Inside y Love Song.
En 2006 se anunció la reunión de todos sus miembros, con la excepción del fallecido vocalista Layne Staley (sustituido por William DuVall, exmiembro de Comes with the Fall) y la edición de un nuevo álbum de estudio, titulado Black Gives Way to Blue, previsto para el 29 de septiembre de 2009. Black Gives Way to Blue será el cuarto álbum de estudio de la banda de grunge estadounidense Alice in Chains; "A Looking in view" y "Check my brain" de Alice In Chains, son los últimos dos sencillos que ha salido al mercado para promocionar a esta espectacular banda después de 14 años de la composición de su ultimo disco Alice in Chains en 1995. Será el primer disco con la discográfica Virgin Records, su primera aventura lejos de Columbia Records responsable de sus anteriores entregas.
Alice in Chains ya había escrito y grabado algunos demos del álbum pero no muestra signos de progreso hasta octubre de 2008 cuando comienzan a grabar con Nick Raskulinecz como productor (con gran experiencia con Foo Fighters, Rush y Stone Sour) en el estudio. El proceso de escritura y grabación finalmente culmina el 18 de marzo de 2009, día del 43 cumpleaños del gutarrista de la banda Jerry Cantrell. Según Cantrell, se trata de un material que dejará más que satisfechos a sus seguidores y pondrá de nuevo a Alice In Chains en lo más alto de la consideración de los rockeros.
Coincidiendo con la reunión y gira de la banda, Sony publicó el recopilatorio The Essential Alice in Chains, un doble disco con 28 temas. Para dicha gira se reclutó al vocalista William DuVall y al bajista de Velvet Revolver, Duff McKagan, quien tocó la guitarra rítmica en algunas de las canciones.
Elton John toca el piano en el tema principal del disco ("A Looking In View"), el tercer single ha sido usado recientemente en la serie de televisión CSI. Por otro lado, mucha gente se quejó del volumen general del disco (aludiendo al término de la “Loudness War”, del que tanto se habló con el Death Magnetic de Metallica). Por suerte, en la edición de vinilo sí viene mucho más normalizado todo, con un volumen más bajo y todo más claro.
Vampire Weekend es una banda de indie-rock con influencias africanas, originaria de Nueva York y fundada en febrero de 2006, que se hizo conocida por medio de varios blogs de internet. Sus miembros, on Ezra Koenig (voz y guitarra), Rostam Batmanglij (teclados y voz), Christopher Tomson (batería), Chris Baio (bajo)... se conocieron en la universidad de Columbia, donde hicieron una película de la que eligieron el nombre de la banda: Vampire Weekend (en la canción "Walcott" se habla de esto).
En 2007, su hit Cape Cod Kwassa Kwassa terminó en la posición número 67 de la lista que expone cada año Rolling Stone «Las 100 mejores canciones del año». El 29 de enero de 2008 debutaron con un álbum homónimo, del cual se desprenden los temas A-Punk, Cape Cod Kwassa Kwassa, Mansard Roof y Oxford Comma. Precedido por dos sencillo, "Horchata" (5 de octubre de 2009) y "Cousins" (14 de diciembre), el 11 de enero de 2010, Vampire Weekend lanzó su nuevo disco, Contra, compuesto por diez nuevos temas.
Esta banda surgida en la Universidad de Columbia conoció los ritmos africanos que terminarían modelando su propio estilo: una mezcla de ska, música africana y pop new wave, que se combinan formando adictivas canciones indie tal como se puede escuchar en sus dos discos. Hay un principio básico detrás de la música de Vampire Weekend, La base de esta excelente banda es no tocar rock moderno...
Vampire Weekend, una de las bandas más interesantes y divertidas que han surgido en los últimos años en la ciudad de Nueva YorK. Su segundo disco "Contra", vendrá compuesto por nuevos sonidos alejandose un poco en lo representado y expuesto en su disco anterior, coninstrumentos diferentes ycomposiciones características, una buena base del sonido orginal que produce Vampire weekend, una de las bandas revelación de los últimos años en la movida del Indie - Rock mundial y creadores de un sonido plenamente original, así es como es definida la banda a nivel mundial.
Vampire Weekend remite a los comienzos de la década del 80, cuando el pop pasaba por su etapa new wave, esa mezcla optimista y refrescante de un género que siempre brilla. Para los amantes de la World music y el indie pop de los collage americanos, su nueva banda de cabecera tiene un nombre bastante interesante: Vampire Weekend.
Zoé: Un sonido ecléctico que se posiciona en los oidos hispanos...
Zoé es una banda mexicana de rock alternativo. Fue fundada en 1997 en Cuernavaca, Morelos por el cantante León Larregui, el guitarrista Sergio Acosta, el bajista Ángel Mosqueda, el tecladista Jesús Báez y el baterista Alberto Cabrera. Cabrera fue sustituido más tarde Jorge Siddhartha y después por Rodrigo Guardiola. La historia de Zoé da inicio a fines de 1994 y se consolida con una alineación estable hacia mediados de 1997Además de elementos básicos como los Beatles, el sonido de Zoé hace percibir la influencia de grupos como Stone Roses y Charlatans.
hasta el verano del año 2000 cuando el grupo se concentra en las grabaciones del que sería su primer álbum, contando con contribuciones de conocidos músicos locales, además Zoé llega a un acuerdo con Sony Music para su distribución, editandolo en octubre del 2001. Canciones tales como "Asteroide", "Deja Te Conecto" y "Miel" comienzan a deambular por las ondas radiales, pero es "Soñé" el que definitivamente se convierte en el primer éxito de la banda.
En noviembre del 2003 aparece "Rocanlover", seguido de una gira por México y Estados Unidos y el lanzamiento de dos sencillos en forma independiente: "Love" y "Veneno". En el 2006 Zoé reaparece con "Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea", distribuido por EMI y cuyo primer sencillo promocional es el tema "Vía Láctea".
En 2008 sale el álbum Reptilectric, el cual es considerado el mejor disco de la banda, recibiendo alabanzas por críticos en México y en otro países. Fue el segundo disco de la banda que salió a la venta fuera de México, llegando a España, Estados Unidos y toda Latinoamérica. Reptiletric estuvo cinco meses en el número uno en ventas de México. Gracias a esto, en mayo de 2009 fue certificado con Disco de Platino por sus más de 150,000 copias vendidas, adeás de que certificaron el DVD "281107" con el Disco de Oro por sus mas de 10,000 unidades vendidas.
La trayectoria de ZOÉ sigue escribiendo grandes notas en la historia del Rock en español, ZOE es el rock n roll mas vanguardista que se hace actualmente en latinoamerica. Ganadores de la lengua MTV 2009 a Mejor Artista Rock son la gran promesa de la escena independiente mexicana. El rock n roll de ZOE es sutil y poderoso, electrico y glamouroso, tiene tintes de grunge, influencias del britpop y una identidad que han logrado construir a lo largo de mas de 10 anos de existencia.
El término Indie proviene del inglés independent - independiente en español - y se refiere en general a cualquiera de los géneros, panoramas, subculturas y atributos estilísticos y culturales, con un acercamiento autónomo y un nivel de planteamiento que se reduce al lema "hazlo tú mismo". Se suele usar incorrectamente para referirse a un sonido nuevo que un músico presenta. Originalmente está ligado a las condiciones de producción y circulación de su obra, refiriéndose a aquellos músicos que producen su obra de manera independiente y no a un género musical.
La tecnología de Internet permite a muchos artistas introducir su música a una enorme audiencia potencial a un bajo costo sin estar necesariamente relacionados con una discográfica. Los servicios digitales ofrecen la oportunidad de exposición a nuevos adeptos y la posibilidad de incrementar ventas a través de los revendedores minoristas on-line. Los artistas pueden también poner a disposición nueva música más frecuentemente y rápidamente si esta está disponible on-line. Adicionalmente, los artistas tendrían la opción de lanzar ediciones limitadas, reediciones, o material en vivo que seria muy caro producir por los medios tradicionales.
A fines de los 80's empezó a surgir una escena indie con un sonido particular y que fue denominado "Sonido Indie”, el error radica en entender que algo suena a Indie cuando éste es un circunstancial de modo y no de sonido. Desde esta época el término indie se asoció a bandas de pop y de rock que llevaban más allá todas las influencias recogidas hasta el momento, todavía sin denominación, en el que se mezclaba el rock, el punk, la vanguardia y la experimentación, y otros tipos de músicas para llegar a un pop muy simple o muy elaborado, Tal es el caso de Sonic Youth, Band Of Susans, Hüsker Dü, The Lilys, Violent Femmes, Pixies, Dinosaur Jr, My Bloody Valentine, Spacemen 3, Morrisey, New Order, Yo La Tengo, etc. Estos grupos se caracterizaban por hacer una música que en el fondo era pop, pero que podía diferir sobremanera en la forma o estilo.
A partir de Nirvana, esta etiqueta fue adquiriendo fuerza que a su vez tuvo diversos subgéneros, antes y después del éxito del Nevermind de Nirvana. Actualmente permanece como un término amplio, aunque más definido que en la década de los 90, en el que se incluyen todos aquellos grupos que teniendo este sonido editan sus discos en multinacionales o en sus subsellos (Hard-Fi, The Strokes, Oasis, Weezer, Wilco, Radiohead, Collective Soul, Franz Ferdinand, The Killers, Interpol, The Coral, Muse, Arctic Monkeys, The Kooks, Doves, Black Rebel Motorcycle Club, Kaiser Chiefs).
Cabe resaltar que el rock independiente es considerado parte de la Música Universal, por lo tanto traspasa fronteras, religiones e ideologías. En este orden de ideas hay que decir que el 95% de las bandas Colombianas son Independientes. Una banda debe ser en esencia "independiente" de cualquier género que derive radicalismos sonoros, llámese Punk, Metal, Reggae, Ska, Alternativa, etc. Los mismos miembros de este grupo que degustan del "indie" deben saber que en escuchar, investigar, descartar y aceptar todo tipo de música está la clave en la evolución de nuestro amado género.
Tras la exitosa gira de regreso de Soda Stereo a finales de 2007, Gustavo Cerati lanzó a partir del primero de Septiembre su último trabajo "Fuerza Natural", con un sonido dinámico, renovado y menos rockero que su anterior placa de 2006 "Ahí Vamos". El primer corte del disco se denomina Deja Vú, con un ritmo energizante y unas guitarras más pulidas.
La composición de los temas, tanto música como letras, fueron hechas por el propio Cerati, y algunos de estos temas fueron escritos en compañía de su hijo Benito como: Fuerza Natural, Desastre y Rapto. Las grabaciones y mezclas del disco las realizó en Buenos Aires y Nueva York. Este es la quinta producción solista del músico argentino.
Este trabajo tiene la difícil misión de retomar su senda individual y convivir, inevitablemente, con las comparaciones, por más que el propio Cerati haya declarado reiteradamente que no hay posibilidades de un nuevo retorno de Soda.
Cerati cada álbum que hace, lo hace porque siente que lo tiene que hacer, sin importar lo que este sonando o no, lo hace, porque sencillamente la música lo lleva a trabajar basado en sus sentimientos y percepciones del mundo; así, después de habernos llevado en viajes sinfónicos - 11 Episodios Sinfónicos (2001) , otros llenos de estridencia y fuerza, Ahí Vamos (2006) y otros románticos y electrónicos , Bocanada (1999); con este nuevo disco, Cerati nos regala: Folklore, guitarras acústicas, mandolinas, Blues, Pop y por supuesto guitarras de Rock`n Roll
El primer lanzamiento del disco, "Deja Vu", es una muy buena canción de Pop-Rock con una letra muy ligera e interesante, "Fuerza Natural" que le da nombre al disco, es sencilla y tiene toques electrónicos que hacen recordar a grupos como Thievery Corporation; otras como "Amor sin Rodeos" y "Tracción a Sangre" tiene toques de blues, que recuerdan el oeste americano, y en este caso como Gustavo lo dijo, te llevan a la Pampa.
Cada canción es un mundo especial, pero hay dos que particularmente se destacan, la primera, "Cactus", la favorita de Cerati, con una letra romántica y compleja como solo el logra escribir, y con melodías llenas de guitarras que nos podrían recordar artistas como: Iron & Wine, Jose González o incluso la revelación Indie-folk del año pasado, Fleet Foxes.
Muse es una banda inglesa de rock alternativo, originaria de Teignmouth, Devon. Está compuesta por Matthew Bellamy (compositor, voz, guitarra, teclado y piano); Dominic Howard (batería y percusión). y Christopher Wolstenholme (bajo eléctrico, teclados y coros). Su música cuenta con influencia de compositores clásicos, especialmente, aquellos de la era romántica, tales como Sergéi Rajmáninov. La banda es famosa por sus enérgicas actuaciones en vivo y los excéntricos intereses del líder Bellamy en la conspiración global, vida extraterrestre, teología y el Apocalipsis.
La formación de Muse comenzó cuando Bellamy audicionó para ser el guitarrista de la banda de Dominic Howard. En 1994, bajo el nombre de Rocket Baby Dolls y con una imagen goth/glam, el grupo ganó un concurso de batalla de bandas locales, destrozando sus equipos en el proceso. Poco después, los tres decidieron renunciar a la universidad, dejar sus puestos de trabajo, cambiar el nombre de la banda a Muse, y alejarse de Teignmouth.
Así fue como Muse grabó sus dos primeros Eps: Muse EP y Muscle Museum EP. Entonces Muse firmó con la compañía alemana Motor (Universal), la francesa Naïve y la británica Mushroom. La banda ya estaba lista para empezar sus primeros conciertos como banda con un contrato discográfico.
Después del relativo éxito de sus dos primeros EPs, Muse se metió en el estudio para grabar su primer disco: Showbiz. El disco se publicó en Septiembre de 1999 en Francia, y un mes después en el resto del mundo. Showbiz supuso un éxito masivo para la banda: vendieron más de 700.000 copias en todo el mundo y lograron una gran expectación en Francia y Reino Unido.
Muse volvió al estudio para grabar su segundo disco llamado Origin of Symmetry. La mayor parte de las canciones de este disco ya habían sido tocadas en directo y el grupo quiso mantener ese sonido en vivo. En Showbiz el sonido de Muse era bastante complejo, con muchos instrumentos diferentes y superpuestos. En Origin of Symmetry buscaban sonar como un trío real con un sonido muy poderoso. Fue un enorme éxito comercial con más de 1.300.000 copias vendidas por todo el mundo.
Su tercer disco, la representación de su madurez musical, Absolution, se publicó el 22 de Septiembre de 2003 y abrió una nueva era para Muse. Este tercer disco en estudio es definitivamente mas sosegado que los predecesores, mostrando a una banda madura que se expande en sus habilidades musicales. Tras recibir múltiples premios y más que favorables críticas con Absolution, Muse consiguió por primera vez estar entre los 10 primeros puestos de la lista de ventas británica con Time is Running Out.
Muse lanzó su cuarto disco Black Holes and Revelations el 3 de julio de 2006. Totalmente diferente a los discos anteriores, el disco incluye una amplia variedad de temas musicales: desde temas clásicos al techno. Hay un único tema en general en todo el disco: la tensión mundial, el miedo nuclear y las guerras.
El 14 de septiembre de 2009 se lanzó a nivel mundial el cuarto disco de esta excelente agrupación británica, “The Resistance”; puede ser el disco más esperado de su carrera con composiciones de gran envergadura Sus letras adquieren un tono político y oscuro que podría recordarnos a Absolution; hablan de revolución, del Nuevo orden mundial, de la opresión de los gobiernos, del imperialismo estadounidense. Nos invita a revelarnos, a levantarnos contra ello (Ellos no nos controlarán, dice el estribillo de Uprising).
No podemos dudar entonces que Muse es una de las bandas más influyentes, ofrecen un sonido revolucionario con unas letras muy provocadoras, van directo al sentido social, al cambio y a la transformación por la concepción de un nuevo mundo y, claro, un nuevo orden mundial alejado del imperialismo.
Tribalistas es un trío musical brasileño compuesto por Marisa Monte, Arnaldo Antunes y Carlinhos Brown. El grupo se formó tras la participación de Marisa Monte en un álbum que Arnaldo Antunes estaba componiendo, y que producía Carlinhos Brown, y su nombre proviene de una de las canciones que compusieron e incluyeron en el primer álbum.
Marisa Monte, Arnaldo Antunes y Carlinhos Brown son viejos amigos, buenos conocedores del inacabable mundo musical de Brasil. Se unieron después de varios meses para fraguar esta gran idea y realizar uno de los mejores discos de la historia de la música brasileña.
En marzo del 2001, reunidos en Bahía, compusieron 20 canciones, y en abril del año siguiente grabaron 13 de ellas para componer el primer álbum publicado por ellos. El trabajo del grupo tiene la particularidad de haber sido realizado de manera muy apresurada debido a los cortos tiempos que poseían los artistas. El primer álbum fue grabado en trece días, uno por canción.
Este trabajo vendió más de un millón de copias, tan solo en Brasil, teniendo gran aceptación en Europa. Recibió 5 Grammy’s de música latino-americana en 2003 y un premio de música mundial de la BBC en 2004. Algunos cortes del disco se remasterizaron en inglés.
Disturbed es un grupo de metal alternativo formada en 1996 en Chicago, Illinois; integrada por Dan Donegan, Steve "Fuzz" Kmak y Mike Wengren y el vocalista David Draiman. Disturbed muestra fuertes influencias del heavy metal de los '90 incorporando solos y riffs de guitarra más técnicos.
La agrupación norteamericana se formó cuando David Draiman respondió a un anuncio de búsqueda de un cantante hecho por los miembros de grupo, quienes lo aceptaron. La banda trabajó muy duro en los primeros años, grabando dos EP los cuales fueron enviados a distintas discografías. La banda tuvo éxito al lanzar su single "Stupify" en el 2000 y seguidamente el álbum The Sickness. Fue esta producción la que finalmente los lanzó al éxito.
En octubre de 2002, su segundo álbum Believe debutó como un gran éxito llegando al número 1 de las listas de éxitos, lo que llevó a la banda a participaren el Ozzfest tour el 2003. Entre el 2005 y el 2006 el grupo debió aplazar dos veces una gira europea debido a problemas con la voz de David Draiman. Esto supuso para algunos la disolución del grupo, lo que quedó totalmente descartado con la realización de una nueva gira mundial. Durante el primer semestre de 2008 salió a la venta el nuevo álbum Indestructible, producido por ellos mismos, en el que vuelven a los orígenes rockeros que los hicieron famosos en The Sickness.
Draiman explica lo que ha supuesto grabar su último disco, Indestructible, sin ayuda de un productor: "Hace que te tengas que apoyar mútuamente mucho más. Tener esa voz externa era a veces útil pero, la verdad sea dicha, el 95% de lo que ha hecho Distubed en sus discos, desde el punto de vista de los arreglos y de la forma en que las canciones fueron compuestas, estaba ya hecho antes de entrar en el estudio."
La portada de Indestructible es una obra de arte de Tod McFarlane y es un reflejo de lo que nos encontramos dentro del disco, una colección de temas rocosos, oscuros, más metálicos que nunca y nada monolíticos, y para ejemplo el single ‘Inside the fire’, un corte donde para nada hacen apología del suicidio, tal y como recalcan en las advertencias iniciales y finales de su videoclip.
Pero este sencillo no destaca muy por encima del resto de temas, entre esos doce cortes hay bulldozers que dejan arrasado todo a su paso como el tema que da título y abre el disco, y especialmente ‘The night’, en el que Disturbed endurecen de tal forma su propuesta que parece una banda más extrema.
‘Perfect insanity’, el que será su segundo single, tiene la misma pinta de ser un éxito, al menos en Estados Unidos, donde la banda ha arrasado ya de salida. En Europa les costará más llegar al público. Pero Indestructible también tiene otros momentos interesantes como el propio tema que le da título (Imeem) la melódica ‘Deceiver’ o ‘Haunted’, donde una intro electrónico da paso al que debería ser tercer sencillo.
Disturbed nacieron cuando el nu metal estaba en su mejor momento y como no había sitio mejor en ese saco de raros y curiosos en el que colocarlos se les incluyó allí. Pero la banda de Chicago ha sabido mantenerse, reciclarse, no repetirse y sacarse esa espina que tenía clavada una vez que el nu metal es historia. Por lo cual podemos decir que entre las bandas que hacen un muy buen Rock o Metal esta es una banda INDESTRUCTIBLE.
Músico, productor, y actor norteamericano conocido por ser el guitarrista y cantante de la banda de rock alternativo The White Stripes. También es miembro de las bandas de rock The Raconteurs y The Dead Weather.
La primera experiencia musical profesional de White fue en los primeros años de la década de 1990 como el batería de la banda de cowpunk Goober and the Peas, oriunda de Detroit. Esto lo llevó a trabajar con varias bandas como The Go en su álbum "Whatcha Doin", y "2 Star Tabernacle". Aparte de ser su mentor y su vecino, Muldoon tocaba la batería en jam sessions nocturnas. Informalmente se llamaban "Two Part Resin", aunque el único sencillo editado por el dúo esta a nombre de "The Upholsterers".
En 1997 White formó The White Stripes con su entonces esposa Meg White. La banda, luego de su tercer álbum, "White Blood Cells", creció en popularidad y fue aclamada por la critica por sus siguientes álbums. Jack apareció en el puesto Nº 17 en la lista "Los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone. La popularidad de la banda le dio a White la oportunidad de trabajar como solista con renombrados artistas como Loretta Lynn, a quien le produjo el álbum Van Lear Rose en 2004, Beck, The Rolling Stones, y Bob Dylan. En el 2005, White fue uno de los fundadores del grupo de rock The Raconteurs.
En marzo de 2009, debuta con su tercera banda, The Dead Weather. En este trabajo Jack White es el encargado de la percusión. El conjunto está formado por Alison Mosshart de The Kills (voz), Jack Lawrence de The Raconteurs (bajo), Dean Fertita de Queens of the Stone Age (guitarra) y Jack White (voz y percusión). Debutaron con el sencillo "Hang You From the Heavens".
Como actor ha aparecido en producciones cinematográficas tales como "Cold Mountain" y la última película de James Bond, "Quantum of Solace", tema este último interpretado junto a Alicia Keys.
En el 2003 obtuvo un papel secundario en la película Cold Mountain, para la cual también compuso temas para la banda sonora.En el año 2008, es el encargado junto a la cantante y compositora de Soul y R&BAlicia Keys del tema principal de la nueva película de James Bond, "Quantum of Solace" convirtiéndose en el primer dueto en la historia de las películas del agente secreto. La canción "Another Way to Die" de esta vigésimo segunda película del espía 007, ha sido escrita y producida por White, quien también toca la batería.
Durante los últimos años, los ritmos latino americanos han conocido un éxito increíble en todo el mundo: salsa, merengue, tango, samba, bachata y mambo han conquistado a millones de personas que no saben como resistir a la sensualidad, a la calidez y al cúmulo de sentimientos que sólo los ritmos latinos saben expresar tan bien.
Todos los ritmos son muy bailables y cuentan increíbles historias de amor y desamor, de pasión verdadera y fuerte. Hay ritmos con gran tradición y otros muy modernos: por ejemplo, el flamenco, cuyos orígenes se remontan a los cantos y danzas populares que existían en Andalucía hace muchos siglos y el pop, un ritmo moderno que es uno de los géneros con más seguidores en el mundo.
La música latinoamericana proviene de tradiciones españolas, portuguesas e italianas, sin olvidar las influencias africanas y de los pueblos indígenas americanos como los aztecas, mayas e incas.
BACHATA
La bachata es un ritmo musical bailable que nace de los acordes de una guitarra y se alimenta de las más increíbles historias de amor y desamor. La bachata surgió en los campos de la República Dominicana a mediados de los años sesenta. Durante muchos años fue considerado un ritmos propio de los barrios populares, pero hoy en día es uno de los ritmos más representativos de la alegría latina, encontrando su mejor momento con la internacionalización del tema Bachata Rosa, de Juan Luis Guerra.
Los músicos más populares de la bachata son: Juan Luis Guerra, Manny Manuel, Antony Santos, Zacarías Ferreira, Luis Vargas, Yoskar Sarante, Raulin Rodríguez, el Grupo Aventura, Joe Veras, y Frank Reyes.
BANDA
Nació en México y se expandió por Latinoamérica. En sus inicios, los instrumentos españoles, como las cornetas, fueron su principal elemento. Durante el siglo XIX las bandas militares cobraron auge y fama en la parte occidental del territorio azteca. Un género que para muchos ha unido a un pueblo. La banda, un ritmo que rompe fronteras.
Los músicos más populares de banda son: Banda El Recodo, Cuisillos, Germán Lizárraga, Julio Preciado, Banda El Limón
BOLERO
El bolero ha sido uno de los géneros afrocubanos con mayor difusión a lo largo y a lo ancho de toda América Latina. Nació a finales del siglo XIX en Cuba, como un heredero del bolero español pero con sus propias características musicales. Por un lado el bolero trovadoresco, cauce de la expresión sentimental personal del cantante o compositor y hecho específicamente para que el público la escuche, y por el otro el bolero rítmico, emparentado con el son, que si bien no pierde sus características románticas, puede al mismo tiempo ser bailado.
En la actualidad, el bolero ha ganado nuevamente espacios en el trabajo de intérpretes que han descubierto la capacidad del bolero para transmitir vivencias y sentimientos amorosos que los otros géneros no tienen, demostrando de esa manera que el bolero sigue vigente y que ocupa un lugar importante tanto en el campo de la música como en la vivencia cotidiana del cortejo amoroso.
Los músicos más populares del bolero son: Charlie Zaa, Luis Miguel, Carlos Cuevas, Douglas, Huey Dunbar, Omara Portuondo
BOSSA NOVA
Bossa Nova es un estilo nuevo y particular de canto, influencias de jazz y complejas melodías son las características de este ritmo que invadió la canción brasileña a fines de los años cincuenta. La carta de presentación ante el mundo de la bossa nova ha sido el tema Garota de Ipanema, de los compositores Vinicius de Morais y Tom Jobim.
CUMBIA
La cumbia es uno de los bailes más representativos del folclor autóctonos colombianos. Al ritmo de un conjunto de gaitas acompañadas por tambores, la cumbia es sinónimo de baile, alegría y fiesta. Se desarrolla de manera libre: la mujer baila suelta, mientras que el hombre la sigue al compás de los movimientos sensuales de su cintura. La cumbia es un género que encarna de forma única el carácter alegre y bailador de todos los latinos.
Los músicos más populares de la cumbia son: Celso Piña, Sonora Dinamita
FLAMENCO
El flamenco es un arte andaluz que se expresa a través de tres formas: el canto, el baile y la guitarra. Sus orígenes se remontan a los cantos y danzas populares que existían en Andalucía hace muchos siglos. Sin duda, el flamenco es una música íntima de singular alegría y gracia que destaca por su fuerza, su duende y su verdad.
Los músicos más populares del flamenco son: Azúcar Moreno, Ketama, Caco Senante, Gustavo Montesano, Niña Pastori
MAMBO
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8 ¡Mambo! Definido por muchos como una voz espontánea, una expresión y un grito de sabor. Nació hace 50 años, en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos, Tiene sus raíces en las influencias del jazz. En el mambo en la sección de metales logra cosas extraordinarias con la melodía, la armonía y el ritmo, apoyada por los saxofones, mientras la percusión cubana pone la base necesaria.
Los músicos más populares del mambo son: Dámaso Pérez Prado
MERENGUE
Además de ser un exquisito dulce hecho a base de huevo y azúcar, el merengue ocupa un lugar único en el panorama de la música latina actual.Su ritmo y su letra se funden en una cadencia muy particular. El merengue es siempre fiesta y baile, movimiento y sudor para quienes creen que la vida es un placer.
Los músicos más populares del merengue son: Elvis Crespo, Grupo Manía, Hermanos Rosario, Olga Tañon, Milly Quezada, Wilfrido Vargas, Oro Sólido, Kinito Méndez
POP
Hablar del pop es comprender el presente, porque el pop es, sin duda, uno de los géneros con más seguidores en el mundo. En los últimos años el pop latino y cantado en español ha llegado a desplazar al pop en inglés, que parecía ser el único dueño de los mejores sonidos del género.
Los músicos más populares del pop en Latinoamérica son: Paulina Rubio, Thalía, Ricky Martín, Eros Rammazzotti, Alejandro Sanz, Enrique Iglesias, Chayanne, David Bisbal, Ricardo Arjona, Cristian Castro.
POP ROCK LATINO
El rock and roll se transforma en una música con los sonidos más latinos originales que nunca alguien pudo imaginarse.El rock latino es parte de la historia musical que se ha escrito con las mejores creaciones.
Los músicos más populares del pop rock latino son: Maná, Jaguares, La Ley, Café Tacuba, Elefante, Jarabe de Palo, Prisioneros, Juanes.
RANCHERO
Se asegura que el origen del género ranchero se dio con el estreno de la película mexicana Allá En El Rancho Grande. Pensar en las rancheras es tener una montura en el caballo de los sueños, una espuela, un sombrero, un traje con adornos de plata, cuerdas, guitarras y una voz que desprende el sentir de un país.
Los músicos más populares del ranchero son: Pepe Aguilar, Alejandro Fernández, Pablo Montero, Vicente Fernández, Pedro Fernández
REGGAE
A principios del siglo XX, la cultura jamaicana, basada en tradiciones africanas, se expresó con nuevos ritmos musicales. Así surgen los “rastafaris”, y de esa forma se crea un ritmo lleno de frescura, repleto del Caribe y con sonidos muy calurosos. A lo largo de los años este género musical logró que millones de personas se olvidaran de sus problemas y cayeran rendidos ante las canciones de libertad y de amor que ofrecía.
Los músicos más populares del reggae son: Bob Marley, Los Pericos
REGGAETON
Se puede decir que es un nuevo ritmo entre rap y reggae que se ha popularizado en Panamá (donde comenzó en 1981 Renato, Nando Boom, Chicho Man y El General fue quien lo internacionalizara), Puerto Rico (sobre el 1986) y Jamaica donde tiene un buen número de seguidores e intérpretes.
Es un ritmo picante bailable, caribeño, tanto o más atrevido que el rap, por supuesto cada intérprete le da su propio estilo, aunque la letra de sus canciones por regla debe tener cierta picardía juvenil, mezcla de sexo y palabras de doble sentido para que pegue en el público.
Teniendo sus orígenes en Jamaica, y después de las transformaciones efectuadas por parte de los más prestigiosos deejays latinoamericanos, Panameños, Puerto Riqueños, etc, el REGGAETON se ha convertido en el genero rey de las noches de USA. Con una marcada y potente percusión, mezclada con hábiles técnicas de estudio y unas letras desenfadadas, divertidas y muy pegadizas.
Los músicos más populares del reggaeton son: Lorna, El Chombo, Don Omar, Glory, Hector & Tito, Daddy Yankee
SALSA
La salsa es un estilo musical bailable que se deriva del son cubano. La música salsa es un género que surgió en la ciudad de Nueva York, en la década de los 70. Fue el resultado de una mezcla de ritmos cubanos, colombianos, venezolanos, panameños, dominicanos y puertorriqueños con el jazz y el rock norteamericanos.
La salsa, más que un género musical, refleja la alegría y sensualidad de los gustos latinos. La salsa se ha transformado en un baile popular en la mayoría de las ciudades de Latinoamérica, gracias a compositores e interpretes de calidad como Willie Colón, Celia Cruz, Rubén Blades y Tito Puente, Domingo Quiñónez, India, Víctor Manuelle, Rey Ruiz, , Gilberto Santa Rosa, Marc Anthony
SAMBA
Es uno de los estilos musicales más reconocidos en todo el mundo, que combina el movimiento de ombligos, variados instrumentos de percusión y cantos alternados entre coros y solista. Deriva de una danza de la fecundidad de origen angoleño, baile que se realizaba en círculos o en líneas dobles, como lo hacían los esclavos prófugos en la selva para venerar a sus dioses. En la actualidad, la samba puede bailarse en pareja que a menudo se separan para realizar algunos pasos individuales.
SON
El son es el padre de casi todos los ritmos cubanos y el origen de la salsa. El son nació en Cuba, en los campos orientales de la isla, y fue siempre revelación. Su enorme poder de improvisación podía alargar o acortar una pieza según el gusto de quien lo interpretaba y el reclamo de los bailadores
Los músicos más populares del Son son: Compay Segundo, Eliades Ochoa, Ibrahim Ferrer, Oscar D´León
TANGO
En las primeras décadas del siglo XX, el tango es música obligada de bares y burdeles argentinos. Se caracteriza por combinar instrumentos como el clarinete, el violín, el arpa y posteriormente el bandoneón, conjugados con el fraseado y una danza en pareja con particulares pasos.
Estados Unidos y Europa conocen del tango gracias a la pericia de músicos y bailarines que dan muestra de este género musical en los más afamados salones internacionales de comienzos del siglo pasado. Ejemplo de ello es el afamado cantante Carlos Gardel.
VALLENATO
El acordeón, la caja y la guacharaca son los instrumentos indispensables para interpretar el vallenato. Este ritmo, propio de Colombia, cuenta historias reales o fantasiosas que se funden en poesías hechas canciones.
De los artistas legendarios del vallenato, quizá el más recordado sea Francisco Moscote, quien un día dejó de ser un vaquero para convertirse en un acordeonista prodigioso.
Los músicos más populares del vallenato son: Carlos Vives, Diómedez Díaz, Los Diablitos de Colombia, AlexanderRamis.
El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX. es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII. El nacimiento del jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales del siglo XIX: el gospell, el blues, el ragtime, las marchas militares, la música de baile europea....Toda esta mezcla creará el trasfondo sobre el que Jerry Roll Morton se permitiría autoproclamarse “inventor del jazz”.
El Jazz se caracteriza por
la superposición de ritmos regulares e irregulares, con la utilización de notas a contratiempo y síncopas. Ambas consisten en una alteración del ritmo, se trata de acentuar una parte débil del compás, pero mientras que la síncopa continúa en la parte fuerte, las notas a contratiempo terminan antes de comenzar la parte fuerte siguiente. Al mismo tiempo posee una característica muy importante, la improvisación.La cual es la forma más común de los temas de jazz clásico. Cada una de las partes suele tener 8 compases, el músico de jazz al improvisar crea nuevas melodías, puede hacerlo adornando las melodías existentes o creando nuevas líneas por encima de las armonías dadas, que están en la base de toda la composición.
Dentro de los estilos del Jazz podemos encontrar los siguientes:
1. Estilo New Orleans: Esta ciudad fue la cuna del jazz, aquí nació Jerry Roll Morton, que si bien no inventó el jazz, sí fue uno de los primeros músicos que tuvo conciencia de que esa música, en la que se entremezclaban tantas influencias y que partía de una tradición un tanto difuminada, era una “nueva” música. Pronto los grupos de jazz comenzaron a emigrar a otras ciudades de Estados Unidos, como Nueva York o Chicago, y en 1917.
2. Estilo Nueva York / Chicago, años 20´s: En los primeros años veinte el jazz encontró refugio en los locales de los traficantes de alcohol. Armstrong, al frente de sus Hot Five primero y luego con los Hot Seven, consiguió que el jazz diera un salto enorme en su evolución al imponer la expresión personal del solista frente a la improvisación colectiva entretejida que caracteriza el estilo de Nueva Orleans.
3. Años de la Depresión:El crac económico de 1929 afectó gravemente a numerosos músicos que se vieron alejados de los estudios de grabación y de los escenarios. Una importante consecuencia de la depresión económica americana fue el desplazamiento a Europa de muchos artistas en busca de trabajo. Fue el momento de la eclosión de los “hot clubs”, verdadero recintos para los aficionados al jazz.
4. El Swing: En 1923 se derogó la prohibición del alcohol en Estados Unidos y este hecho, junto a los éxitos y la popularidad de formaciones de músicos blancos contribuyó a que el jazz perdiera, al menos en parte, el calificativo de música marginal. En la segunda mitad de los años treinta el jazz alcanzó uno de sus grandes momentos de florecimiento.
5. El Jazz y la 2da Guerra Mundial: En 1941, los Estados Unidos entraron oficialmente en guerra y buena parte de los músicos de jazz se vieron obligados a vestir el uniforme militar y a colaborar con las bandas del ejército o a grabar discos destinados al esparcimiento de la tropa. La influencia de la guerra en la vida de los músicos y sobre todo las ansias de innovación de los más jóvenes contribuirían a una profunda renovación del jazz. La escena del jazz de la segunda mitad de los años cuarenta era un auténtico hervidero, pues, ante el nacimiento del bebop, los representantes de la tradición trataron de revitalizar el estilo de Nueva Orleans, a la vez que la música afrocuabana, instalada en Nueva York, se adueñó de buena parte de las salas de baile.
6. Los Años 50´s: En la relativamente breve historia del jazz, apenas un siglo, los cambios se han producido siempre a caballo sobre movimientos existentes, que no han desaparecido, sino que sólo han cedido la primera página de la actualidad sin llegar a extinguirse. Mientras tanto el rhythm and blues, la forma más popular de la música afroamericana, había alcanzado un desarrollo imparable gracias a figuras como Ray Charles, Louis Jordan, Fats Domino, o Chuk Berry.
7. Los Años 60´s: Se crearon géneros musicales derivados del Jazz como el New Thing y el Soul.
Mientras una parte de la música afroamericana alcanzaba una dimensión como nunca se había conocido, el jazz vería el advenimiento de la “New Thing”, literalmente la “cosa nueva” o free jazz, una radical alteración de los principios musicales que habían regido anteriormente la improvisación.
8. Los Años 70´s: En el mundo de la música todo había cambiado: la difusión discográfica, el tipo de conciertos, la radio, la televisión... ya nada era lo mismo, y la música, al igual que otras artes, como el cine, es también negocio. Jimi Hendrix y otros se habían aventurado en el mundo del rock con una música eléctrica de marcado acento afroamericano y habían conseguido un éxito notable. El rock, la música progresiva, el pop y otras etiquetas semejantes vendían, el jazz no podía quedarse fuera y así a algún genio se le ocurrió el concepto de “fusión”, en el que cabía un poco de todo, la música afroamericana no había muerto, no sólo el jazz, el blues o el rhythm and blues proseguían su camino, sino que no cesaban de surgir nuevas formas y nuevos músicos, como la “salsa” neoyorkina, heredera de la tradición afrocubana de los primeros músicos latinos llegados a Nueva York e impregnada de influencias del jazz y del soul, o el funk de músicos como George Clinton.
9. El Jazz no ha muerto: Los años ochenta significaron en cierta manera un proceso de clarificación, el jazz seguía siendo minoritario pero tenía un público consolidado. Comenzaba a despuntar una nueva generación de músicos que seguía caminos diferentes, los unos tras la pista de la siempre anhelada vanguardia y los otros por el camino del regreso a los orígenes. Los años noventa han confirmado esas numerosas corrientes dispersas. El jazz no tan solo no ha muerto sino que quizá está más presente que nunca en la actualidad musical. El auge del rap, la recuperación del bebop, el "revival" del soul, los éxitos comerciales del funk y sus derivados, la aparición de nuevas bandas del más puro estilo Nueva Orleans, la actualidad del blues o incluso el éxito en las discotecas del "acid jazz" son síntomas de la buena salud de esta música cuando ya ronda el siglo de existencia bajo el nombre de "jazz".
De esta manera podemos apreciar que un género musical como el Jazz nunca podría desaparecer ya que en gran medida es el padre de los sonidos que actualmente conquistan el mundo. No ha sido olvidado, mucho menos ha muerto, ha pasado a un plano de ser una música especial para aquellos que tienen un excelente oido y les gusta disfrutar de la buena música.
Putumayo Records: La Representación de un Sonido Mundial
Putumayo World Music es una marca que ha cumplido 15 años de historias haciendo las grabaciones musicales más especiales del mundo entero. Su creador y fundador Dan Storper, norteamericano de nacimiento, pero que por los años 70´s se dió una pequeña vuelta por Colombia, Ecuador, Perú y Bolivia en busca de artesanias, formó esta disquera con un nombre que encontraría en las selvas de Colombia, precisamente el de una provicia colombiana y un río del mismo nombre, Putumayo y que a la postre se convertiría en una marca de alta recordación y prestigio a nivel mundial en lo que refiere a sonidos de todo el mundo.
Su año de nacimiento es 1993 y el objetivo con el que nació este sello discográfico fue dar un real protagonismo a la música de diferentes culturas del mundo, convirtiéndose en un gran espacio para que cantantes de Reggae, Salsa, sonidos africanos, Blues, música folclórica de diferentes países, sonidos arabes y una cantidad de melodias autóctonas del folclor mundial de cualquier continente y región.
Precisamente en homenaje a ese país que le brindó la idea de un nombre tan interesante como lo es Putumayo World Music, este sello discográfico a editó varios discos en honor a Colombia y a los sonidos latinoaméricanos. Por ejemplo en este caso podemos encontrar un disco como "Salsa around the world" en donde podemos escuchar una excelente salsa hecha en países tales como EEUU, Japón, Las Antillas y, obviamente, Colombia en representación de La Orquesta La 33 (gran parte del exito de esta orquesta se debe a este sello discográfico que le abrió las puertas para ser escuchado en todo el mundo como el puro sonido bestial colombiano hecho en Bogotá).
Pero también encontramos otro albúm llamado "Music from the coffee lands" (Música de las tierras del café), en el cual podemos escuchar sonidos tradicionales de las principales tierras productoras de café alrededor del mundo, hablamos de Brazil con su Bossanova, Colombia con su cumbia y otros sonidos autóctonos, Kenia con su Benga. Así podemos apreciar entonces como este sello se ha metido en los rincones más inesperados del mundo y ha rescatado esos sonidos para los oidos del planeta entero, por que de otra manera sería tradiciones orales destinadas a desaparecer.
Actualmente es tal la fuerza tal de este sello discográfico que ha implementado otro nicho de mercado diferente a la música para adultos. Se ha creado Putumayo Kids, con un enfoque al rescate de esos sonidos infantiles más recordados en el mundo, por ejemplo se espera para el transcurso de este año la promoción y distribución de un CD + DVD en homenaje a Plaza Sesamo con la voz original del cantautor mexicano Aleks Syntec, pero que también contendrá un alto grado de composiciones infantiles en Frances y Hebreo.
Asi podemos concluir entonces que Putumayo Records o Putumayo World Music es una marca reconocida en todo el globo, que ha tenido participaciones de artistas del primer orden mundial como los son Manu Chao de Francia, Amadou et Mariam de Mali, Totó la Momposina de Colombia, John Lee Hooker de EEUU y otros artistas de alto reconocimeinto mundial, figuras que han ayudado a crecer a esta casa discográfica y que han prestado las mejores creaciones musicales para darle forma a estos albunes musicales que suenan a diversidad, cultura y originalidad.
Principales creaciones de este sello:
North African Groove: desde La Habana a El Cairo, diversas influencias de North African Groove.
Acoustic Africa: colección que presenta muchos de los más destacados cantantes y cantautores de África.
Celtic Crossroads: tradiciones antiguas se unen a la tecnología moderna en esta cautivante colección de música celta contemporánea.
Blues Around the World: de Buenos Aires a Barcelona, Misisipi a Mauritania, Blues Around the World es una muestra de la influencia del blues en los músicos de todos los rincones del planeta.
Turkish Groove: mosaico musical de sonidos de los Balcanes, de Asia Central y de Medio Oriente fusionados con sofisticado pop global y música dance.
Latin Lounge: el tango, la cumbia y el son se unen a la música electrónica en esta colección de ritmos chill-out.
Women of the World, acoustic: música acústica contemporánea de algunas de las intérpretes más destacadas del mundo.
Québec: tributo a la rica divesidad musical de esta fascinante provincia franco-canadiense, en homenaje al 400º aniversario de la ciudad de Québec.
Depeche Mode, integrada por los británicos David Gahan (Vocalista), Martin Lee Gore (Guitarrista y Teclista) y Andrew John Fletcher (Teclista) desde 1980 con apoyos musicales de varios músicos reconocidos a nivel internacional nos presentan para este año 2009 una gira mundial llamada "Tour of the Universe" en donde han visitado y visitarán más de 100 ciudades en un lapso de nueve meses.
Primero que todos es muy interesante enterarnos un poco de la historia de esta excelente agrupación inglesa. Como ya se dijo anteriormente, Depeche Mode nació en el año de 1980 en Essex, Inglaterra de la mano de esos tres integrantes que ya se mencionaron en el primer parrafo. Actualmente y según fuentes de importantes canales televisivos internacionales son llamados e identificados como los padres y precursores de la electrónica que suena hoy en día por todas las discotecas del mundo, a su vez se puede decir que esta banda maneja una perfecta mezcla entre el Rock y el Techno lo que ayudó a que consiguieran fanáticos de todo tipo alrededor del mundo lo que posicionó a este grupo dentro del género de música alternativa.
Pero muchos se preguntan ¿de dónde viene el nombre Depeche Mode?. Inicialmente, en sus primeros años, esta agrupación se dió el nombre de Synthpop pero con los años y con su inclinación musical decidieron cambiar el nombre por el que poseen actualmente. Así este nombre saldría de una revista de moda francesa, el cual se refiere o significa concretamente diario o boletin de moda (Dépêche Mode) lo que realmente traduce de manera textual "Noticias de Moda".
Dentro de su recorrido tenemos una amplia experiencia discográfica y una cantidad insuperable de presentacones y conciertos, así mismo podemos hablar de dos etapas básicas de la agrupación en sus casi 30 años de historia musical. Una primera etapa dedicada a los años 80´s cuando empezaron a trabajar con algo muy poco peculiar para esa época, sintetizadores y samplers instrumentos con los cuales ahorrar en gastos y se adaptarían a una nueva generación electrónica neciente. Su primer sencillo grabado en 1981 y editado por un sello de música electrónica sería "Photographic" el cual aparecio en un recopilatorio propio del sello discográfico.
En los 80´s Depeche Mode grabaría los siguientes: Speak & Spell, A Broken Frame, Construction time again, Some great reward, Black Celebration y Music of the masses. Estos albunes marcarían su primera etapa en la múscia un poco más dedicada a la música electrónica y al new wave.
En su segundo etapa la cual comienza a partir de los años 90´s con su disco de mayor renombre Violator, de donde saldrían exitos e himnos de la talla de Personal Jesus y Enjoy the Silence. Posteriormente editarían su segundo albúm de la nueva decada, Song of faith and devotion, un disco que fue producido en EEUU y que modificaría notablemente el sonido original del grupo pasando a una influencia un poco más grunge, que era lo que precisamente sonaba en EEUU para el año de 1993.
En esta misma decada se produciría el albúm Ultra y The Singles 86 - 98, producción que no se harían si no hasta el año de 1997. De aquí brincarían directamente al nuevo siglo con una concepción musical y estética mucho más madura que evocaba el Depeche Mode de la primera etapa, mucho más electrónico siendo fiel a sus influencias, a sus tendencias y a su sonido original. En este nuevo siglo llegarían las producciones dicográficas Exciter (2001), Playing the Angel (2005) y su último y más reciente albúm que le da su nombre al actual tour mundial, Sounds of the Universe (2009).
Regresando al tema, Tour of the Universe es un tour que quiere llevar el sonido de esta excelente agrupación inglesa a todos los oidos de Europa y América. En este momento Depeche Mode se encuentra dando sus presentaciones alrededor de Europa, para los meses de agosto, septiembre y octubre es esperado en América de lleno. En agosto y septiembre este show será apreciado por el público norteamericano, para octubre es esperado en latinoamérica completa.
El primero de octubre comienza sus presentaciones en Guadalajara pasando a Ciudad de México donde harán dos presentaciones, así pasarán por Monterrey y San José de Costa Rica. Para el 10 de octubre es esperado con muchas ansias en la ciudad de Bogotá en donde ofrecerán un show sin precedente alguno para dirigirse posteriormente a las ciudades de Lima, Santiago, Buenos Aires, Rio de Janeiro y Sao Paulo.
De esta manera sur américa completa tendrá el gusto y el placer de ver preferencialmente a una agrupación con casi 30 años de historia en los cuales ha dejado una huella imborrable en los oidos y en los corazones de los amantes tanto del Rock como de la Música Electrónica que tan popular se ha vuelto.
Con una mezcla de sonidos y ritmos Sargento Garcia imprime de sabor ell mundo latino. Este frances es el precursor del "Salsa Muffin" (mezcla de ritmos tales como el Reggae, Salsa, Son Cubano, Raíces africanas, un poco de Rock, Cumbia colombiana y actualmente hasta Reggaeton), un género original salido de la creatividad musical de este excelente artista.
Pero para entrar más en detalle para quienes no conocen este artista su nombre de pila es Bruno Garcia, nació en España pero creció en un barrio popular de Francia en donde siempre fue expuesto a una multiculturalidad sin igual, pues ya sabemos todos que los barrios populares en toda Francia están habitados en gran medida por africanos y latinoamericanos; precisamente de ahí es que se deriva la orientación y concepción musical de este artista que radica en la mezcla de esa multiculturalidad con la que educó. Por otro lado su nombre artístico hace alusión al torpe Sargento Garcia de la serie televisiva El Zorro, el cual era quien siempre trataba de capturar a este enigmático heroe y fracasaba en el intento.
Pero no fue hasta el año de 1997 que el mundo no conoció a este músico, año en el cual Bruno Garcia por sus propios medios se dió en la tarea de grabar su propuesta musical y artística. Su opera prima recibió el nombre de "Viva el Sargento" que le sirvió para empezar su carrera y dar las bases para el género que él mismo se encargo de pulir, desarrolar e instaurar. Un tiempo después aparecería la banda que hasta el día de hoy acompaña al Sargento, ellos son "Los Locos del Barrio" (jóvenes franceses y cubanos residentes en París y quienes son un referente de la música mestiza en el país galo), con ellos emprende una serie de conciertos que servirían a la postre para ir ganando más adeptos.
En 1999 aparece en el mercado, y con gran expectativa, su segundo albúm "Un poquito quema´o" el cual fue el encargado de dar una posición al Salsa Muffin en Francia y Latinoamérica y acercaría el sonido del Sargento mucho más a las raíces musicales de Jamaica y Cuba.
Dos años después, en el 2001, se editaría su tercer albúm fiel a su estilo propio, recibiría el nombre de "Sin Fronteras", un titulo inspirado para el enfoque mundano de su música y de sus creaciones sonoras. Este ha sido un albúm muy alabado y condecorado por sus ingeniosos arreglos musiacles, pues se puede decir que esta es una de las más importantes creaciones de este artista, es un albúm mucho más enérgico que el anterior pues es más maduro y refleja toda la energía descargada en los escenarios, con una vocalización más profunda y con tonos más fuertes.
Para 2004 salía a la luz su tercera producción discográfica "La Semilla Escondida" un albúm que mantvo su esencia mestiza y que posicionó aún más un género musical que ya estaba en sus últimas etapas de estructuración, por eso en su último albúm "Máscaras" (2007) que se publicó después de la edición de un recopilatorio de todos sus grandes exitos.
En "Máscaras" se mostró una completa libertad de creación pues este es un Albúm en donde se encuentra en su máxima expresión esa diversidad de influencias sonoras que posee Bruno Garcia y Los Locos del Barrio; aqui encontramos una gama muy amplia de sonidos mestizos como lo son Roots Reggae, Rocksteady, Salsa dura y fuerte, mezclas como Cumbia + Hip - Hop, Reggae + Rap (con una buena influencia Dancehall) y hasta Mambo + Reggaeton. Es claro entonces que su última creación se carateriza intensamente por las más inesperadas y asombrosas mezclas músicales.
Este nuevo albúm posee un ingrediente adicional, es la posibilidad de trasladar al oyente a las calles de Mexico, Barranquilla, Los Ángeles, Kingston, Lagos, Paris, La Habana y Valencia. En general la idea del Sargento es generar con sus sonidos, sus creaciones y su música un ambiente festivo que impregne todas las esferas sociales de Latinoamérica, y por ahí derecho el mundo entero si es posible.
Confirmado, después de aproximadamente cuatro años uno de los principales exponentes del Metal Ibérico vuelve a Colombia. Los esperamos en Bogotá en la "Leyenda Mancha Tour" el 15 de junio del año en curso, en donde podremos disfrutar de 20 años de composiciones de la mejor calidad.
Pero entremos en detalle, ¿Quién es Mago de Oz?. E s un grupo español de folk metal originario de Vallecas, Madrid. Formado en Mayo de 1989 por el baterista Txus. Es una banda reconocida nacional e internacionalmente. Ha recibido la influencia de Queen, Iron Maiden, Deep Purple, Barón Rojo, Rainbow; agrupaciones reconocidas del movimiento Hard Rock y Metal mundial siendo de los máximos exponentes de estos dos grandes géneros musicales.
En sus inicios Mago de Oz empezó con el nombre de Transilvania, una banda que desde su inicio mantendría una fuerte influencia por el Metal y la música céltica; pero su enfoque era el de rendirle culto a una de sus más marcadas influencia: Iron Maiden. Muy pronto cambiaron el nombre por el definitivo Mägo de Oz. Según comenta el propio Txus: "Elegí este nombre porque, como en la película, la vida es un camino de baldosas amarillas, en la que andamos en compañía de otros buscando nuestros sueños..."